宇宙對話
Q：導演覺得自己哪裡最怪？
A： 講話邏輯最怪
Q：請用一個形容詞形容自己？
A：別人怎麼形容我，我就怎麼形容自己「可愛」
Q：請用一個形容詞形容你導的戲？
A：奇異
Q：導演腦袋裡最常想什麼？
A：吃什麼！吃到有靈魂的食物，就有更多精氣神創作
Q：導演最愛傳統藝術的哪一部份？
A：時間感
對劇場導演陳煜典來說，傳統藝術是一組打開人類感知的密碼！他從古老的表演形式出發，經由聲音、裝置、空間乃至魔術的語彙轉譯，將傳統引入一個不斷生成、持續流動的當代表演語境，召喚傳統中的身體智慧，進入可被遊戲、被進入、被共振，卻難以道盡的劇場宇宙。
身段──作為時代交會
南管戲與梨園戲常被視為難以跨越世代的傳統表演，語言太古、身段太繁，但導演陳煜典選擇直面這道斷層，他關注的不僅是戲劇的節奏與張力，並將「傳統」透過實驗辯證──轉化表演邏輯、重寫節奏系統、重新配置觀演關係，讓文化記憶在當代觀眾的感知中被觸發、被閱讀、且重新書寫與呼吸。
在陳煜典的創作邏輯裡，身段不是動作而已，而是一種思想的載體。一次轉身、一抹回眸，都承載著千年來對情感的精緻表達，這種「以少說多」的表演方式，深深影響了他導戲的節奏感與敘事結構。他說：「傳統戲曲的身段讓我理解『留白』的力量，不是什麼都要表達，而是選擇什麼不說，讓觀眾自己走進來。」而南管音樂緩拍中所蘊含的細膩情感，更形塑出他對劇場時間的獨特理解，他稱南管為「活的時間結構」，不是線性推進，而是層層渲染、情緒鋪陳。如《行過洛津》(2017)，便以南管作為結構與情緒的雙軸，引領觀眾進入一場「逐步浸潤」的感知旅程。《水淹台北城》(2025)，應用現代獨白、角色對話結合歌仔戲唱段，還加上了1920年代的歌仔冊的交互編織，撐出敘事空間。
這樣的身體與聲音訓練，也讓他在跨界創作時：包含聲音劇場、非典型文本劇場，擁有極強的節奏控制力與空間敏感度。他將傳統戲曲中的節制與繁複，轉化為當代劇場裡的留白與張力；他不追求戲劇的外放，而是用戲曲美學裡的「含蓄」、「象徵」與「抽象化」，對抗現代的快速節奏。
空間──作為身體延伸
從現代戲劇到裝置藝術，陳煜典以一種既敬重又敢於顛覆的態度，編織出一個動態且開放的藝術對話空間。在《脫殼》(2023)中，最意想不到的挑戰，並非來自藝術本身，而是「數學」。他笑說：「那整排竹子的角度與排列，最後竟然是靠數學公式算出來的。」
《脫殼》延續當代表演藝術中對「場域特定性」（site-specific）的敏銳實踐，更帶有沉浸式劇場（immersive theater）中對觀眾位置與經驗主體的挑戰。《脫殼》不提供線索性的情節發展，而是讓觀眾在竹林裝置、聲響與身體運動的交織中，親身經歷一場空間敘事的流動過程。
陳煜典說：「我覺得導演的工作，很多時候不是要『創造』什麼，而是精確的設計『關係』——物件與物件、演員與空間、觀眾與身體，彼此如何對話，才是劇場的核心。」
這種對「關係」的敏感度，使他在當代表演藝術的實驗場域中，不斷延展劇場的邊界與想像力。
觀眾──作為節奏觸媒
場域，對陳煜典而言，是另一種敘事工具。他的創作跨越劇場、展覽甚至線上平臺，跳脫傳統黑盒子劇場的疆界，將表演帶入街道、古蹟、甚至虛擬空間。「場域的轉換不只是環境不同而已，它會改變觀看的方式與感知。」在某些展演中，他讓觀眾戴上耳機走入空間，讓聲音成為敘事的主線；在兒童互動作品中，則讓每個參與者的聲音和動作，回饋並改變場內的氛圍與節奏。
透過音樂設計，捨去傳統典型的鑼鼓進點，沒有明顯的鑼鼓進點就像沒有了開關，如《水淹台北城》用音樂鋪排如漫天大水的進進退退。他說：「觀眾不再只是接收的人，而是劇場共同生成的參與者。」
透過跨領域合作、跨感官經驗導入，陳煜典將南管的緩拍、梨園的身段、東方的空間美學、與當代敘事策略揉捻為一種獨特的創作方法。這是對劇場本質的再提問：在被快速消費的視覺文化中，劇場是否仍能是觀眾與時間、身體與歷史之間的深度交會處？陳煜典劇場的迷人之處，不在於你是否「懂」他用了哪一段南管或哪一式科步，而在於你是否願意進入未竟之地——一同回歸劇場本質的經驗：以肉身抵達、以呼吸對話、以感知共振。